Rescate, rehabilitación, liberación

Dir.: Andrew Stanton
¿De qué va?: Un año después de la separación y el feliz reencuentro entre Marlin y Nemo, padre e hijo viven apaciblemente junto a su amiga Dory. Pero durante una excursión para ver la migración de los mantarrayas, los problemas de memoria de Dory desaparecen un momento y le permiten recordar que tiene una familia, por lo que inmediatamente emprende un viaje para ir en su busca.

Reseña: 2016 está siendo un año de secuelas tardías pero, entre las que ya se han estrenado (Zoolander 2, Independence Day: Contraataque) y las que están por llegar (Cazafantasmas) no parece que los estudios se vayan a quedar con ganas de dar luz verde a proyectos así en un futuro próximo. Buscando a Dory es la excepción, pues va camino de convertirse en una de las películas de animación más taquilleras de la historia. La diferencia radica no sólo en que sea un producto con el sello de garantía Pixar, sino que supone el reencuentro con unos personajes que calaron en el gran público y lograron trascender a su tiempo.  Por ello, tanto los que vieron el estreno de Buscando a Nemo hace más de una década como los que aún no habían nacido por aquel entonces, acuden en masa al cine durante estos días. ¿O es que acaso nadie se ha puesto alguna vez a hablar balleno o a cantar eso de ‘Sigue nadando’?

La película está ambientada un año después de los acontecimientos de Buscando a Nemo y, en realidad, la ilusión de que no ha pasado el tiempo sólo se coarta ante el evidente avance en el campo de la animación digital que se ha producido en todo este tiempo. Pixar crea un mundo acuático más variado, detallado y colorista que en la cinta original, todo un despliegue de medios para contar una historia que reformula la trama de la película precedente para ofrecer una nueva aventura de búsqueda, en la que Marlin y Nemo dan un paso atrás para que Dory asuma la mayor parte del protagonismo. La desmemoriada pez corría el peligro de ser uno de esos personajes secundarios que pierden toda su su gracia al centrarse en él, pero afortunadamente aquí no se da el caso. Eso sí, hay que armarse de mucha paciencia, porque Dory no deja de salir de Guatemala para meterse en Guatepeor.

Además de Dory y los dos peces payaso, volvemos a encontrarnos con algunos de los personajes secundarios de Buscando a Nemo, pero cobran más importancia las nuevas incorporaciones, especialmente un pulpo que entabla una entrañable relación con Dory al tener unos caracteres tan complementarios como opuestos. A través de esta galería de personajes, la película amplía un mensaje que ya estaba implícito en Buscando a Nemo y que vuelve a ser igual de apropiado y necesario para niños y mayores: en vez de dejarte infravalorar por tus limitaciones, particularidades y “defectos”, afróntalos y sácales el mayor partido posible. Un único problema puede resolverse de múltiples maneras, y es que en la diversidad está la clave.

Buscando a Dory no puede desprenderse de cierta sensación de ‘déjà vu’, acentuada por algunos pasajes o temas redundantes, como una persecución por los bajos fondos del océano o un Marlin que sigue siendo incapaz de confiar en las aptitudes de su hijo y de los demás. La falta de novedad, sorpresa y excelencia cómica y narrativa que poseía Nemo es compensada con un buen puñado de secuencias muy ingeniosas, pero sobre todo con grandes dosis de ternura, presente en todos y cada uno de los personajes de la película; Pixar vuelve a demostrar que se pueden hacer grandes aventuras sin la obligada presencia de un villano. Por último, nada de llegar tarde a la proyección ni de salir pitando al aparecer los créditos: el corto que le precede, Piper, es una pequeña joya animada que comparte temática con la película, y al final de las créditos hay una pequeña pero agradecida sorpresa para todos aquellos espectadores pacientes que se queden en la sala mientras el personal del cine la limpia.

8/10

Emancipación juerguista

Dir.: Nicholas Stoller
Int.: Seth Rogen, Rose Byrne, Zack Efron, Chloë Grace Moretz, Ike Barinholtz, Dave Franco, Kiersey Clemons, Beani Feldstein
¿De qué va?: El segundo hijo de Mac y Kelly está de camino, y los felices padres están preparados para mudarse a las afueras. Pero cuando lo tienen todo listo para vender su casa, una fraternidad femenina alquila la casa vecina bajo la tutela de Teddy, que no acaba de encontrar su lugar tras terminar la universidad.

Reseña: Hollywood dictamina que si una película hace más pasta de lo esperado y resulta rentable se debe sacar secuela, con la excusa de que hay que darle al pueblo lo que el pueblo demanda. Además, dados los consecutivos fracasos de segundas partes que llegan demasiado tarde, los estudios se dan prisa para fabricarlas antes de que el público se olvide o deje de interesarse por ellas. Como máximo defensor de Malditos vecinos, pues me pareció un astuto y divertidísimo híbrido de comedia petepanesca y universitaria, no podía perderme esta secuela, por muy innecesaria que fuese. Ahora bien, ¿sigue esa máxima de “todas las segundas partes son malas”?

Ahora la hermandad a la que se enfrenta la pareja formada por Mac y Kelly es femenina, y están más desfasadas que los chicos. La premisa es un tanto obvia, puesto que además cumple  con la norma no escrita de que las secuelas deben ser más grandes y espectaculares que sus predecesoras. Sin embargo, hay que reconocer a sus responsables el esfuerzo para no limitarse a repetir el mismo planteamiento, sino que aprovechan el cambio de género para abordar el sexismo del ambiente universitario en particular y de la sociedad en general. Basta de la cosificación sexual, las chicas tienen derecho a divertirse y vestirse como les de la gana sin ser acosadas por el machirulo de turno. La película hace acertados gags a costa de las diferencias de género, compartiendo la tesis de La boda de mi mejor amiga de que las mujeres pueden ser tan escatológicas, gamberras y fraternales como ellos.

Por otra parte, Malditos vecinos 2 acierta más trayendo de vuelta a varios de los personajes secundarios (Ike Barinholtz, Lisa Kudrow, Liz Cackowski…), que cuando cuando intenta emular algunos de los gags más recordados del título del que parte. Más triste resulta que, esta vez sí, desaproveche a Rose Byrne, pues con la excusa de que Kelly está embarazada no es tan partícipe de las gamberradas como lo fue en la ocasión anterior, si bien sigue formando con Seth Rogen una pareja atípicamente aspiracional; su conflicto de esta entrega, sobre si son o no buenos padres, resulta un tanto absurdo. Mejor le va a Zac Efron con su arco argumental, con un Teddy incapaz de encontrar su lugar en la vida mientras presume de pectorales cada vez que puede.

Las nuevas vecinas, con Chloë Grace Moretz en cabeza, protagonizan varios buenos momentos, pero sus andanzas, pese a ser promocionadas como más bestias que las de los chicos, no siempre terminan de cuajar pese a su naturaleza reivindicativa, y las carcajadas que consigue arrancar la película en su primer tercio se van diluyendo progresivamente a lo largo del metraje. En definitiva, Malditos vecinos 2 tiene momentos que harán las delicias de los fans del film original, pero en conjunto no es tan redonda, ni mucho menos, como aquella. Innecesaria, sí, pero no del todo desdeñable.

6/10

Espionaje para principiantes

Dir.: Susanne Bier
Int.: Tom Hiddleston, Hugh Laurie, Olivia Colman, Tom Hollander, Elizabeth Debicki, David Harewood, Antonio de la Torre
Emisión: 2016, AMC
6 episodios

Misiles que se convierten en copas, collares de perlas y yates, tazas de té que se transforman en un bombardero, o una lujosa lámpara que al chocar contra el suelo deja una nube de humo como si de una bomba nuclear se tratase. La cabecera de El infiltrado (The Night Manager) representa de esta forma tan ingeniosa la relación de dependencia entre el mercado de la guerra y el tráfico de armas con el lujo y la riqueza,  lo cual ejerce de trasfondo de esta miniserie de AMC basada en una novela del escritor de historias de espionaje por antonomasia, John le Carré, y que ha sido dirigida íntegramente por la cineasta danesa Susanne Bier.

El gerente de noche/infiltrado al que alude el título es Jonathan Pine, un exsoldado británico que, motivado por la venganza, acepta ser reclutado por una agente de los servicios de inteligencia, Angela Burr, para infiltrarse en el círculo íntimo de Richard Roper, un traficante de armas disfrazado de filántropo. Así, a lo largo de los seis episodios que dura la miniserie, somos testigos de cómo Pine se gana la confianza de Roper mientras viajan por el mundo moviendo el negocio del armamento ilegal, al tiempo que establece peligrosos lazos con la esposa de este y suscita sospechas y anhelos sexuales por igual de su mano derecha. Mientras tanto, en Inglaterra, Angela monitoriza sus movimientos y lidia con un sistema corrupto hasta la médula que no está dispuesto a que desenmascare a Roper.

El infiltrado tiene todos los ingredientes necesarios para crear una buena trama de espionaje: el héroe, el villano, la chica del villano, el matón, el secuaz avispado y temperamental, un móvil para la venganza, corruptelas, giros de guión, multiplicidad de localizaciones…. Cumple la papeleta, sí, pero ya está. No hay más. Sigue el manual del género al pie de la letra pero no hay nada en su desarrollo que se salga de lo ya visto, ni siquiera las supuestas sorpresas narrativas. Todo va según lo esperado y todos los personajes actúan tal y como se espera que actúen, y aún así, la incredulidad impera a lo largo de toda la miniserie, pues tanto la evolución del protagonista como la relación de éste con el antagonista no está lo suficientemente trabajada. Tom Hiddleston  no brinda su mejor trabajo dando vida a un desdibujado espía de sempiterna sonrisa de ‘gentleman’, mientras que Hugh Laurie resulta un poco más creíble como el déspota traficante de armas. Sin embargo, son Olivia Colman, Tom Hollander y Elizabeth Debicki quienes componen unos personajes más ricos e interesantes que la dupla que protagoniza y produce la miniserie. También resulta curioso ver a Antonio de la Torre en su primer trabajo de habla inglesa; por suerte para él, no le ha tocado hacer de narcotraficante.

El infiltrado es entretenida y tiene empaque técnico y visual, pero carece de algo por lo que podamos recordarla el año que viene, salvo quizás su estupenda cabecera. Ni siquiera la dirección de Bier consigue imprimir un estilo diferenciado o característico a la producción, pues parece más un trabajo de encargo que la obra de una reputada y premiada directora europea. Pienso en London Spy, en su atmósfera y en su enfoque innovador y diferenciado del mundo del espionaje y El infiltrado pierde en comparación y sin miramientos. Tan correcta como desangelada, su desenlace no ha podido dejarme más indiferente, aunque puede que haberlo visto justo después del apoteósico final de la sexta temporada de Juego de tronos haya tenido algo que ver…

Trincheras emocionales

La prestigiosa fotógrafa de guerra Isabelle Reed (Isabelle Huppert) muere repentinamente en un accidente de tráfico. Tres años después, la preparación de una exposición sobre su obra trae de vuelta a casa al hijo mayor, Jonah (Jesse Eisenberg), pero al reencontrarse con su padre (Gabriel Byrne) y su hermano menor (David Druid) descubre que la relación entre ellos dista mucho de ser cercana. Mientras el progenitor intenta estrechar lazos con sus dos hijos, cada uno recuerda momentos clave vividos con la desaparecida matriarca, intentando descifrar el misterio que la rodea incluso después de su fatal destino.

Pariente lejano de Lars Von Trier, el cineasta noruego Joaquim Trier viaja hasta Estados Unidos para su tercer largometraje, El amor es más fuerte que las bombas, título que en la traducción pierde la ambigüedad del original, Louder than Bombs. Se trata de su primer trabajo en lengua inglesa, pero el manual de estilo sigue siendo puramente nórdico: personajes de emociones soterradas bajo una apariencia imperturbable, con comportamientos erráticos, y que se mueven en entornos tan modernos e impolutos como asépticos. Por tanto, la emotividad está prácticamente ausente, pero Trier busca la empatía con los personajes por otros medios, colocándonos en el punto de vista de cada uno de los protagonistas masculinos y, a través de una narración fragmentada, revelándonos cómo era la relación con esa misteriosa figura materna cuya desaparición terminó con la dinámica doméstica.

La película gira en torno a la incomunicación en el núcleo familiar y a las mentiras y verdades que se ocultan pensando en el bienestar de la otra persona, pero que al final se acaban convirtiendo en ese elefante en la habitación que termina envenenando la relación. También hay otros temas que orbitan conectados a la tesis principal, como la reclusión de la adolescencia, el miedo a la responsabilidad de la edad adulta o las secuelas que puede dejar un trabajo tan duro como el reporterismo de guerra. Los tres actores principales están muy bien, pero la película es prácticamente una carta de amor a Isabelle Huppert, a la que el director le dedica un hermoso primer plano sostenido, y también es necesario mencionar a Amy Ryan, pues, como ya hizo en Birdman, asume un papel muy secundario que irradia una luz y una ternura que despunta entre la frialdad general.

Lástima que la resolución quede bastante corta y simplona, aunque, analizándolo desde otra perspectiva, tal vez esa haya sido la intención de Trier, demostrar que los conflictos se pueden resolver con una escueta conversación en la que que se digan esas cosas que, por muy obvias que puedan ser, deben ser dichas y escuchadas.

7/10

La boca del infierno

Dir.: James Wan
Int.: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Frances O’Connor, Madison Wolfe, Simon McBurney, Maria Doyle Kennedy, Franka Potente, Lauren Esposito
¿De qué va?: El matrimonio de demonólogos formado por Ed y Lorraine Warren viaja al norte de Londres para ayudar a una madre soltera que vive con sus cuatro hijos en una casa donde un malicioso espíritu les atormenta día y noche.

Reseña: “Esto es lo más cerca del infierno que voy a estar”. Lo dice Lorraine Warren en el prólogo de esta continuación de Expediente Warren (The Conjuring, 2013) y lo podemos interpretar como una declaración de intenciones de James Wan para con esta secuela. Tras haber dirigido el capítulo más exitoso hasta la fecha de la saga Fast & Furious y con Aquaman como siguiente proyecto, la carrera de Wan está tan lanzada en Hollywood que no sería de extrañar que ésta sea su última incursión en el terror, al menos como director y a no ser que acepte la millonada que le ofrecerán por encargarse de Expendiente Warren 3. Habrá tercera parte, con o sin él, no sólo porque las historias del matrimonio de investigadores paranormales es perfecta para confeccionar una saga inagotable, sino porque El caso Einfield mantiene el pulso de la primera, siendo uno de esos raros casos de película de terror que gustan tanto al cinéfilo de pro como al pueblo llano.

Esta secuela mantiene prácticamente intacta la estructura narrativa de la original: familia “monomarental” sufre una escalada de fenómenos paranormales hasta que el matrimonio Warren llega para ayudarles. Sin embargo, ahora se presta más atención a la relación de la pareja de salvadores, y Wan introduce unas pocas variaciones a una historia de terror de las de toda la vida; por ejemplo, los sucesos terroríficos ocurren incluso cuando la habitación está llena de gente, en vez de producirse únicamente cuando la principal víctima está sola. Sin embargo, donde Wan da lo mejor de sí es en la puesta en escena. El terror que desprenden sus secuencias reside en la forma en la que éstas están planificadas: la posición de la cámara, los silencios, un segundo plano desenfocado, una imagen que cobra vida en la penumbra… Hay pocas películas de terror mejor dirigidas y con más inteligencia que ésta, permitiéndose incluir unas certeras gotas de humor, como aprovechar el contexto histórico para vincultar a la Thatcher con un poltergeist.

No obstante, a Wan le puede un poco la ambición, extendiendo el metraje hasta unos innecesarios 130 minutos de metraje que se podrían haber recortado fácilmente prescindiendo de algunos pasajes que apenas aportan algo a la trama, sólo sustos. Por ello, uno llega al final de la película más exhausto que aterrado, porque además la cinta no deja tiempo para respirar, está continuamente poniendo en jaque al espectador. A fin de cuentas, es ese efecto acumulación lo que más le pesa al conjunto, por encima del puñado de ilógicas cuestiones narrativas propias del género de las que el film no se logra desprender. Por cierto, la famosa monja cuyo spin-off ya está en preparación no es fruto de mis pesadillas, sino el hombre torcido al que da vida Javier Botet y su espeluznante canción infantil.

Expediente Warren: El caso Enfield es mejor secuela de lo que fue Insidious: Capítulo 2 respecto a su antecesora.  Mantiene el listón, ofrece una historia con las suficientes novedades para no ser considerada “más de lo mismo” y potencia una de las mayores virtudes de su referente, esto es, su pareja protagonista: Vera Farmiga y Patrick Wilson vuelven a dar lo mejor de sí y son recompensados con una mayor atención a su dinámica y más cancha para el personaje de Ed, que había sido relegado a un segundo plano en la anterior película. No podemos concluir sin alabar asimismo la interpretación de la joven Madison Wolfe, revisión de la Regan de El exorcista que se desenvuelve de forma fantástica transmitiendo el terror, la angustia y la indefensión de su personaje.

7’5/10

¿Quién puede matar a una niña?

Dir.: Gavin Hood
Int.: Helen Mirren, Aaron Paul, Alan Rickman, Barkhad Abdi, Iain Glen, Phoebe Fox,, Richard McCabe, Jeremy Northam, Monica Dolan
¿De qué va?: La coronel Katherine Powell es una oficinal de la inteligencia militar británica al mando de una operación para capturar a unos terroristas en Kenia, pero cuando se da cuenta de que el objetivo está planeando un ataque suicida inminente, cambia sus planes de ‘atrapar’ por ‘aniquilar’. Sin embargo, la presencia de una niña de nueve años en la zona de impacto del misil provocará una disputa internacional sobre las implicaciones de la guerra moderna.

Reseña: Ningún ciudadano de a pie puede tener una visión global de cómo funciona la lucha contra el terrorismo hoy en día, pero gracias a productos audiovisuales como Homeland o Citizenfour nos podemos hacer una idea bastante aproximada del mundo hipervigilado en el que vivimos, uno en el que Occidente pone todos sus esfuerzos para contener el Mal en Oriente, para que los atentados bomba y los “terroristas infiltrados entre las mareas de refugiados” no logren traspasar las fronteras. Espías desde el cielo no desvela nada que no sepamos ya aquellos que seguimos las aventuras de Carrie Mathison sobre cómo funciona la actual caza al terrorista, pero como thriller bélico comercial y de denuncia el resultado es bastante meritorio.

Espías desde el cielo expone, sin prisa pero sin pausa, los diferentes puntos de vista desde los que presenciaremos la acción, así como la construcción del conflicto moral sobre el que girará la trama cuando todas las piezas estén colocadas en el tablero. Sin embargo, la película acarrea una contrariedad bastante gorda que, de no dejarla pasar, puede hacer que todo el conjunto se desmorone: en la vida real, ningún alto cargo se plantearía abortar una misión que acabaría con cinco terroristas de cuajo por un daño colateral en forma de niña inocente. ¿Cuántos ataques de fuerzas militares europeas o americanas se habrán producido ya en los que hayan muerto cientos de personas, desde niños hasta ancianos? No obstante, si hacemos ese pequeño esfuerzo de suspensión de incredulidad, la película nos recompensa con creces.

Porque el film de Gavin Hood es bastante hábil a la hora de evidenciar que las guerras de hoy en día se combaten vía satélite desde oficinas y despachos. Una maraña burocrática en la que una decisión de vital importancia debe ser tomada por un señor que está en el otro extremo del planeta jugando una partida de tenis, y en la que el que debe apretar el gatillo es un chaval que está en la otra punta del mundo trabajando como piloto de drones para poder pagar los préstamos universitarios. Todo bajo el control de una coronel (fantástica Helen Mirren) que no tiene reparos en infringir las normas por las que se rige y coaccionar a sus propios subalternos con tal de cumplir sus objetivos estratégicos.

Espías desde el cielo es un thriller cuya buena parte de tensión se cuece, y muy bien, a través de conversaciones vía Skype o teléfono. No hay soluciones ni respuestas fáciles o categóricas en la lucha contra el terrorismo, y el film, aun simplificando el debate, muestra las diferentes posturas sin posicionarse claramente a favor de ninguna. Sin embargo, hay una cariz que habría sido interesante explorar desde la perspectiva del personaje del tristemente fallecido Alan Rickman: ¿Y si en vez de una niña keniata hubiese sido americana o británica?

7’5/10

O.C: Verano violento (1959)

¿De qué va?: En plena Segunda Guerra Mundial, Carlo y su pandilla pasan el verano entre bailes, excursiones y juegos en la playa. Gracias a su influyente padre, Carlo se está librando de entrar en el ejército, pero cuando empieza a enamorarse de Roberta, una mujer viuda mayor que él, todo cambiará para él.

Reputación: Segundo largometraje del director italiano Valerio Zurlini, realizado cinco años después de su exitosa ópera prima, Le ragazze di San Frediano (1955). El film fue recibido con buenos ojos por la crítica: nominado a los Globos de Oro italianos en la categoría de mejor película, ganador del premio a mejor actriz (Eleonora Rossi Drago) en el Festival de Mar del Plata y en el sindicato italiano nacional de periodistas cinematográficos, además de una mención a mejor música por este último. Sin embargo, la película tuvo escasa difusión fuera de su país, ni siquiera llegó a estrenarse en cines españoles. Zurlini tuvo mejor suerte con sus dos siguientes trabajos, pues La chica con la maleta (1961) es recordada por ser una de las mejores interpretaciones de Claudia Cardinale, y con Crónica familiar (1962) ganó el Léon de Oro del Festival de Venecia, ex-aequo con La infancia de Iván.

Comentario: Poco puede haber más idílico que un verano en la costa italiana. Sin embargo, la imagen de postal desaparece cuando unos aviones de combate o el lejano ruido de las bombas y los disparos nos trae de vuelta a la realidad, a una Guerra Mundial de la que nadie puede escapar. Verano violento versa sobre el romance entre una mujer viuda de muy buen ver y un muchacho que está retrasando lo máximo posible su llamada a las filas. La felicidad consecuente del pasional romance de verano se ve truncada constantemente, ya sea por la desaprobación de aquellos que les rodean o por ese conflicto bélico que les empuja de vuelta a la terrible realidad. Melodrama que materializa el estado emocional de sus personajes a través de los escenarios (desde una soleada playa hasta unas ruinas en llamas), construye la tensión sexual a través de miradas, roces, bailes y la química que comparte su estupenda pareja protagonista, culminando en un tremebundo acto final, magníficamente rodado y muy emocionante. En definitiva, una película que merece ser rescatada del olvido.

Próximo visionado: Pauline en la playa (1983)

L.A. Noire desmadrado

Dir.: Shane Black
Int.: Russell Crowe, Ryan Gosling, Angourie Rice, Matt Bomer, Margaret Qualley, Keith David, Kim Bansinger, Beau Knapp, Yaya DaCosta
¿De qué va?: En Los Ángeles de los años 70, un matón a sueldo y un malogrado detective privado se ven forzados a colaborar para resolver la misteriosa desaparición de una joven que se ha convertido en el blanco de unos asesinos implacables.

Reseña: Robert Downey Jr. no le debe su estatus de estrella a Marvel, sino a Shane Black, que le confió el protagonismo de Kiss, Kiss, Bang, Bang (2005), la cual, a pesar de los pocos ingresos que generó, se convirtió en película de culto y dio al actor el personaje de caradura encantador y con verborrea que ha repetido hasta la saciedad en sus posteriores trabajos. Downey Jr. le devolvió el favor convenciendo a Marvel para que Black dirigiese y escribiese el guión de Iron Man 3, y éste lo que hizo fue una buddy-movie disfrazada de película de superhéroes, cuya particular versión de un clásico villano de los cómics encolerizó a muchos fans. Poco le importó, porque si algo demuestra Dos buenos tipos es que Black tiene muy claro qué tipo de película le gusta hacer y que va a seguir a lo suyo, para suerte de sus fans.

¿Y cuál es el tipo de película de Shane Black? Pues básicamente la que bebe de las fuentes de la literatura pulp noir y las comedias de acción de serie B de los 70 y los 80 (no olvidemos que es guionista de la trilogía de Arma letal). Ambas influencias se dan de la mano en este film que tiene todos los ingredientes necesarios para ofrecer un entretenimiento tan palomitero como nostálgico: un misterio por resolver, una chica en problemas, dos (anti)héroes, peligrosos asesinos a sueldo, muchas risas y mucha acción. El guión sorprende al ir por derroteros conocidos a los que se les da la vuelta con fines autoparódicos, amparándose en la torpeza de su pareja protagonista, que consigue avanzar en la investigación gracias sobre todo a golpes de suerte y a la avispada hija de uno de ellos (deslumbrante revelación la de Angourie Rice). Y todo sin perder de vista el contexto histórico, el final de unos años 70 marcados por el apogeo del cine porno, el fin del movimiento hippie y el comienzo de la expansión de las empresas multinacionales, acontecimientos entrelazados con el misterio del film.

La trama ejerce de hilo conductor y brinda un homenaje al cine que funcionaba a través de bovinas y rollos de película, pero ante todo, está al servicio de la dinámica de su pareja protagonista, dos tipos peseteros, ariscos, brutos, despistados y que rinden a medio gas. Sin embargo, no hay que rascar demasiado para descubrir que sí, que, como el reza el título de la película, son buenos tipos. Russell Crowe está bien, pero queda completamente eclipsado ante un exultante Ryan Gosling en las Antípodas de la inexpresividad de algunos de sus trabajos precedentes. El actor desata toda su vena payasa a través de una serie de expresiones, gestos y sonidos desternillantes, recibiendo palos en dos de cada tres escenas, y brindando una de las mejores interpretaciones cómicas del año.

Es el trabajo de Gosling junto al estupendo equipo que forma junto a Crowe y su hija en la ficción y al entusiasmo que transmite la dirección y el guión de Black, lo que nos deja con ganas de una segunda parte que estaría totalmente justificada… si no fuera porque no parece que la película vaya a rendir lo suficiente en taquilla como para que el estudio le dé luz verde. Es una lástima, pero en cualquier caso, celebremos la existencia de esta secuela espiritual de Kiss, Kiss, Bang, Bang, una comedia de acción adulta, entretenida, con gags buenísimos (otros no tanto), y hecha desde el cariño hacia sus personajes, al público, a la literatura noir y pulp y, cómo no, al Séptimo Arte.

8/10

Soñando, soñando, triunfé saltando

Dir.: Dexter Fletcher
Int.: Taron Egerton, Hugh Jackman, Christopher Walken, Jim Broadbent, Jo Hartley, Keith Allen, Ania Sowinski, Mads Pettersen
¿De qué va?: El sueño de Michael “Eddie” Edwards desde que era pequeño fue participar en los Juegos Olímpicos. Con la ayuda de un entrenador rebelde y carismático, Eddie luchó con todas sus fuerzas para poder participar en la categoría de salto de esquí en los Juegos Olímpicos de Invierno de Calgary de 1988.

Reseña: A los británicos se les da muy bien hacer ‘feel good movies’, que es como se conoce a esas películas que transmiten muy buen rollo, optimismo y alegría a raudales. No sé si será porque tienen una gran cantera de señoras muy rectas y muy finas que con que suelten algún chiste verde ya nos tienen el corazón ganado, por el humor inglés, o porque poco hay que nos conmueva tanto como un ‘sir’ o una ‘madame’ cuya fachada severa termina ablandándose gracias al amor, la amistad o a la familia. El caso es que películas como Billy Elliot, Una canción para Marion o Pride me hacen feliz aunque sea consciente de la manipulación a la que me someten. Eddie el Águila es la última en sumarse a la lista.

Sólo hay una cosa que dé más pereza que una película deportiva: aquella que nos quiere vender la moto que con mucho esfuerzo tus sueños pueden hacerse realidad. Se da el caso de que Eddie el Águila es ambas, pero el tener a Matthew Vaughn en la producción ya nos da una pista de que el asunto no va a ser tan edulcorado como parece, y es que el protagonista es, al igual que el chaval que se convirtió en Kick-Ass, que los X-Men de Primera generación o como Eggsy (el prota de Kigsman: Servicio secreto) un misfit, un bicho raro marginado por la sociedad. Sin embargo, al final será lo que le hace especial la clave para triunfar en el terreno de aquellos que se mofaban de él. La historia versa sobre un chico cuya meta no es ganar los Juegos Olímpicos, sino formar parte de ellos, competir con dignidad, y es un mensaje que no está de más en tiempos tan competitivos como los que vivimos.

Dexter Fletcher lidia con los clichés de la historia a través de una labor de dirección pulida y trabajada; ninguno de los numerosos saltos está rodado de la misma manera, el clásico montaje de entrenamiento del protagonista no es nada rutinario, y la emotividad está presente sin cargar las tintas sobre ella. Taron Egerton es un Eddie muy entrañable y carismático, se le coge cariño rápido, mientras que hacía tiempo que Hugh Jackman no estaba tan comedido y tan bien. La trama acaba convirtiéndose en la búsqueda de redención tanto del maestro como del aprendiz, ambos con necesidad de ser tomados en serio por el mundo en general y por una figura paterna en particular. Esa necesidad de ser aceptados en el redil es lo que más me chirría de una propuesta que, a pesar de su ligereza, goza de interesantes lecturas sobre la autoestima, la competitividad, el deporte o la perseverancia, envuelto en una atractiva estética ochentera y con un chute extra de adrenalina y buen humor. Poco más se le puede pedir.

7/10

Una segunda oportunidad

Dir.: Hong Sang-soo
Int.: Jeong Jae-yeong, Kim Min-hee, Yoon Yeo-jeong, Gi Ju-bong, Choi Hwa-Jeong, Yoo Joon-sang, Seo Young-hwa, Ko Ah-sung
¿De qué va?: Un director de cine independiente llega a la ciudad de Suwon para participar en un festival. Mientras aprovecha su estancia para descubrir el lugar, conoce a una pintora local con la que entablará una estrecha relación a lo largo del día.

Reseña: El ritual del cortejo no es fácil. A unos se les da mejor, a otros peor, pero todos, incluso los más egocéntricos, hemos metido la pata alguna vez, o nos hemos arrepentido de decir algo, y cuando nos damos cuenta de nuestro fracaso es inevitable pensar: ¿Habría sido diferente si hubiera actuado de otra forma? En su último trabajo, el director surcoreano Hong Sang-soo nos presenta el encuentro casual entre dos desconocidos, un cineasta y una pintora que, siguiendo la estela de Jesse y Celine en Antes del amanecer (1995), deciden pasar todo un día juntos, conociéndose, conversando, intentando averiguar si la curiosidad que sienten mutuamente puede convertirse en un sentimiento más profundo.

La principal novedad de la propuesta de Sang-soo radica en que, al alcanzar los 60 minutos de metraje, la historia termina para volver a empezar desde el principio, de forma idéntica, pero con matices. Ahora la pareja protagonista actúa y conversa con un plus de honestidad, de forma más mesurada, y sin estar tan preocupados en las apariencias y en la imagen que proyecta en su respectivo objeto de seducción. Esta repetición de la jugada, que me hizo recordar vagamente a la gran Corre, Lola, corre (1998), lejos de resultar reiterativa se revela como un recurso tan interesante como bien exprimido, ya que a través del nuevo rumbo que adquiere el relato, recorriendo las mismas situaciones y lugares, pero con ligeras modificaciones en la posición de la cámara, se pone en evidencia que la honestidad no siempre es la opción más cómoda o satisfactoria, sino que puede ser amarga y cruel, pero a la larga es la vía más adecuada de cara a estar en paz con uno mismo y ser justo y empático con la otra persona.

Rodada de forma sencilla, con algún que otro zoom que rompe con los largos planos fijos que enfatizan los excelentes trabajos de su protagonistas, Jeong Jae-yeong y Kim Min-hee, Ahora sí, antes no es una pequeña y deliciosa película que resuelve de forma tremendamente natural e íntima las dos vertientes de un cálido y breve romance durante un frío día de una ciudad de Corea del Sur, demostrando que, a pesar de las distancias geográficas y las diferencias culturales, la complejidad del amor y de las relaciones humanas no entiende de fronteras.

7/10

(In)fertilidad deseada

Si el estreno durante el año pasado de El desconocido demostró que en España se pueden hacer competentes thrillers al más puro estilo hollywoodiense, Embarazados es la respuesta española a la nueva comedia americana, que tiene a Judd Apatow como su gran artífice y que se caracteriza por girar en torno a hombres que se quedaron anclados en la adolescencia, metidos en historias de amor que no tienen tanto que ver con el proceso del enamoramiento como con los problemas que sufren las parejas en tiempos del Tinder, de la crisis económica, del WhatsApp y de la fecundación in vitro.

Embarazados nos presenta a Fran y Alina, una pareja, ya más cercana a los cuarenta que a los treinta, que está intentando tener un hijo. Sin embargo, un ginecólogo les advierte de que los espermatozoides de Fran son “pocos, vagos y anormales” y que Alina está premenopáusica, así que lo más fiable para procrear sería un tratamiento de fecundación artificial. El problema es que, mientras que Alina está segura de querer hacerlo, Fran no lo ve tan claro… y ya está el conflicto servido. La directora y guionista Juana Macías demuestra haber hecho los deberes, situando su película en la línea de Lío embarazoso, Eternamente comprometidos y Si fuera fácil, abordando las crisis de pareja y de la edad aunando comedia y drama. Sin embargo, es en el drama donde el film se torna más interesante y funciona mejor, gracias en buena medida a una perfectamente calibrada Alexandra Jiménez, que se hace dueña y señora de la cinta en detrimento de su partenaire, Paco León.

En el terreno cómico es donde Embarazados flojea más. El trillado acompañamiento musical no le hace ningún favor a los gags, mientras que las tramas secundarias y los secundarios no se distancian ni lo más mínimo del tópico: el amigo gañán (Ernesto Sevilla), el friki (Alberto Amarilla), la hermana mayor (Ainhoa Aierbe), el médico chiflado (Karra Elejalde)… ni la becaria cachonda (Elisa Mouliaá) falta a la cita. En definitiva, Embarazados es una correcta comedia romántica, hija de su tiempo y bastante certera a la hora de retratar algunos de los conflictos de pareja más habituales de hoy en día, pero no es lo suficientemente redonda para despuntar, aunque sí mejor que coetáneas más populares y taquilleras como 8 apellidos vascos. Si hay algo en lo que destacada sobremanera Embarazados es en la forma tan obvia y escasamente disimilada en la que introduce el ‘product placement’ de varias marcas que habrán invertido pasta en el proyecto, sobre todo de una, presente en una escena que parece un spot televisivo metido con calzador en mitad de la película; muy en la línea de esa mítica escena de El show de Truman.

6/10

Capturing the Pritchetts

Creadores: Stephen Levitan, Christopher Lloyd
Int.: Ed O’Neill, Sofía Vergara, Julie Bowen, Ty Burrell, Jesse Tyler Ferguson, Eric Stonestreet, Rico Rodríguez, Nolan Gould, Sarah Hyland, Ariel Winter, Aubrey Anderson-Emmons
Emisión: 2009 – Actualidad, ABC y Neox
7 temporadas

Dedicar un artículo a Modern Family cuando acaba de terminar su séptima temporada de emisión tal vez sea ir a destiempo… O puede que ahora, que lleva años en velocidad de crucero y ha terminado su reinado en las entregas de premios televisivos, sea el momento idóneo para reflexionar sobre ella, y dictaminar si es la panacea de las sitcom como se aventuraba en sus comienzos o si le ha ocurrido como a The Big Bang Theory y se ha acomodado en la rutina.

Una de las claves del éxito de Modern Family en sus inicios fue trasladar el estilo documental de la minoritaria The Office a una comedia familiar. El gran público aceptó de buen grado que, sin ningún tipo de explicación, los miembros del clan Pritchett fuesen seguidos día y noche por un cámara, y que luego le hiciesen confesiones sentados en sus respectivos sofás como si de un reality show se tratase, porque, además de hacerlos más cercanos, sus comentarios valían oro puro y en un contexto más “realista” habrían resultado forzados. Pero, ante todo, lo que les convirtió en la nueva familia favorita de América (sorry Simpsons) fue el timming cómico de sus actores, la química que comparten, sus dinámicas y lo simpáticos que resultan todos y cada uno de ellos, aunque sea tirando de caricaturizar estereotipos.

Los colombianos deben tener un gran sentido del humor, puesto que nunca ha trascendido ninguna queja sobre las (graciosísimas) barbaridades que dicen de su país en la serie. Eso ocurre en España y el defensor del espectador estaría hasta arriba de trabajo; quizás se deba a que Sofía Vergara pasea su orgullo latino y colombiano allá donde va, o porque hasta en Latinoamérica simpatizan con las desventuras de los Pritchett. Es curioso cómo medio mundo puede sentirse identificado con los dramas tan de primer mundo, de una familia tan de clase alta como ésta, la cual, no obstante, ni se avergüenza ni disimula su condición privilegiada, mostrándose abiertamente comiendo langosta en restaurantes caros o sufriendo al ser confundidos por pasajeros de clase turista en un tren. La clave, una vez más, está en enganchar al espectador con los reconocibles perfiles de cada personaje: la inocencia de Phil (Ty Burrell), la neurosis de Claire (Julie Bowen), los gritos de Gloria, el esnobismo de Manny (Rico Rodríguez), la responsabilidad de Alex (Ariel Winter), el egocentrismo de Haley (Sarah Hyland)… Los guionistas trabajan con perfiles muy clásicos a los que les sacan todo el jugo posible.

Alguien me podría decir que a lo mejor le estoy dando demasiadas vueltas, que la serie es divertida y bastante hace con mantener el nivel durante siete años, pero es que considero que, por muy bien que nos sigan cayendo, hay cosas por las que merecen un buen tirón de orejas. Una es la forma en la que la serie aborda la homosexualidad. Mitch (Jesse Tyler Ferguson)  y Cam (Eric Stonestreet) han hecho mucho por la visibilidad del colectivo y de la adopción por parte de parejas del mismo sexo, pero da la impresión de se busca la normalización a costa de que formen una pareja de gays completamente asexuada; las referencias sobre su vida sexual son muy escasas en comparación con las hechas respecto a las otras dos parejas protagonistas. Además, tanto ellos como los otros personajes gays responden a la visión estereotípica que se tiene de los mismos: amantes de las divas del pop, organizadores de bodas, cotillas, reinas del drama, etcétera. El humor es tan blanco que dejamos pasar esta perpetuación de los roles tradiciones, no sólo en los personajes homosexuales, sino en los hombres y mujeres heterosexuales ¿o acaso no es Gloria una orgullosa esposa florero de las de toda la vida?

Todas las lecturas que se pueden sacar de los episodios de Modern Family darían para un exhaustivo estudio sociológico. A pesar de que pueda parecer lo contrario, a mí me gusta mucho la serie, y ni me he planteado abandonarla por un segundo, pero sí que creo que no es tan moderna como asegura su título, ni tampoco lo más novedoso y fresco que se está haciendo en la televisión actual. A lo mejor me mueve la envidia, porque quiero formar parte del clan Pritchett, y tal vez nos encontremos ante la que será una de las series más longevas de la televisión americana, y llegaremos a ver a Phil y Claire ejerciendo de abuelos, pero desde luego que las familias del mundo actual están lejos de ser tan idílicas y bien avenidas como ésta, y no habría ningún problema si no fuera porque la serie pretende ser la voz de su generación, como diría mi querida Lena Dunham. Mejor no me hagan caso y que sigan las risas.

O.C: El hombre elefante (1980)

¿De qué va?: A finales del siglo XIX, el doctor Frederick Treves descubre en un circo a John Merrick, un hombre con la cabeza monstruosamente deformada que vive en una situación de constante humillación y sufrimiento, al ser exhibido como una atracción de feria.

Reputación: Basada en una historia real, El hombre elefante fue producida por Mel Brooks, responsable de contratar a David Lynch como director tras quedar impresionado con su anterior película, Cabeza borradora (1977), así como de obtener permiso del estudio para rodarla en blanco y negro. Brooks eliminó por decisión propia su nombre de los créditos, ya que sabía que podía dar al público una idea errónea del film, dada su fama como comediante satírico, y también luchó para que Paramount no cortase las escenas surrealistas que abren y cierran el film. El maquillaje que se utilizó para caracterizar a John Hurt está diseñado a partir de los moldes del Merrick original que se conservan en el London Hospital; sus órganos, preservados para ser estudiados, fueron destruidos por los bombardeos alemanes durante la Segunda Guerra Mundial. La película fue nominada a ocho Oscars, de los cuales no ganó ninguno. En aquel entonces, no había una categoría fija para premiar a los maquilladores, siendo reconocida su labor en ocasiones muy especiales. La ausencia de condecoración a El hombre elefante en este apartado ocasionó una oleada de críticas negativas que propició que al año siguiente la Academia crease la categoría a mejor maquillaje.

Comentario: El hombre elefante es, junto con Una historia verdadera (1999), la película más accesible de David Lynch; también la más emotiva. Rodada en un exquisito blanco y negro, la historia arranca como una secuela espiritual de La parada de los monstruos (1932) para luego cambiar los tintes terroríficos por el drama humanista de ese hombre elefante que sólo necesita ser tratado con dignidad, nada más. Tremendas interpretaciones de John Hurt y Anthony Hopkins en un film que, a pesar de alguna que otra concesión amable, destaca por sus momentos estremecedores (el acorralamiento en la estación de tren) y por aquellos que gozan de una sutileza bellísima, como el desenlace. Por cierto, apostaría lo que sea a que Tim Burton se inspiró, y mucho, en la película de Lynch para su Eduardo Manostijeras (1990).

Próximo visionado: Verano violento (1959)

Aquellos turbulentos años

Dir.: Arnauld Desplechin
Int.: Quentin Dolmaire, Lou Roy-Lecollinet, Matthieu Amalric, Dinara Drukarova, Cécile Garcia-Fogel, Françoise Lebrun, Irina Vavilova
¿De qué va?: Paul Dedalus deja Tayikistán recordando su infancia en Roubaix y la relación con su madre y su hermano. Poco después, recordará un episodio que vivió a los 16 años, un viaje a la URSS en el que vivió junto a su mejor amigo una particular misión secreta. Por último, también recordará cómo era su vida a los 19, sus estudios de Antropología, su estancia en París, las juergas con sus amigos y, sobre todo, a Esther, el gran amor de su vida.

Reseña: A la hora de discurrir sobre una película siempre es interesante tener conocimientos previos de la trayectoria del director o del tema que trata en vistas de poder ofrecer una visión más fundamentada del objeto de análisis. Pues bien, esta es la primera película que veo de Arnauld Desplechin, por eso no sabía de antemano que la pareja de personajes protagonista ya había salido en una cinta previa, Comme je me suis dispurté… (ma vie sexuelle) (1996), aunque tampoco sea necesario porque Tres recuerdos de mi juventud funciona perfectamente como film independiente. Por otra parte, tiene su punto ver una película completamente a ciegas, sin juicios de valor previos ni expectativas, porque el visionado resulta más orgánico, más inocente, y se ve de otra forma, como un pequeño y delicioso descubrimiento, aunque hayas llegado a él a través de la recomendación de alguien que tiene tus gustos muy calados.

Paul Dedalus, álter ego de Desplechin como lo fue Antoine Doinel de Truffaut, tiene un recuerdo de la infancia, tan breve como el que puede tener cualquiera cuando echa la vista tan atrás en plena vida adulta, pues ya sólo se recuerdan pequeños detalles que de alguna manera u otra nos marcaron para siempre. A continuación, Paul rememora un curioso episodio de su adolescencia, un poco más largo que el anterior, porque se trata de una de esas historias que dejan huella pero que no se recuerdan hasta que algo activa el mecanismo que nos lo trae de vuelta a la memoria. Y, al fin, el recuerdo más importante de todos, el más largo y agridulce, ocupando tres cuartas partes del metraje de la cinta: la llegada del primer amor, el cual marca el fin de la inocencia y el comienzo de la madurez.

Tres recuerdos de mi juventud refleja ese impreciso período vital que abarca desde cuando se podían encadenar cuatro noches de juerga sucesivas hasta el día en el que la resaca empieza a no permitir salidas de más de una noche. Desde la época en la que todo daba igual, incluso que tu mejor amigo se liase con la chica que te gusta, hasta el momento en el que las tonterías empiezan a afectar de verdad. Es lo que pasa cuando se comienza a asumir responsabilidades, a ganar experiencia, a acumular errores, a tener sentimientos más profundos por la persona que se quiere, y como consecuencia de todo ello, cada cual empieza a forjarse su propio camino que le distancia de la familia, los amigos y de aquello que se creía conocer. La película de Desplechin habla de todo ello con suma veracidad y naturalidad, apoyado en un elenco formado casi íntegramente por actores noveles; sus fabulosos protagonistas, Quentin Dolmaire y Lou Roy-Lecollinet, consiguen que sintamos su dulce y amarga historia de amor como si fuese nuestra, y así, nos dejamos llevar por la nostalgia y el encanto intrínsecamente francés que desprende esta evocadora película que, haciendo honor a su esencia, crece en el recuerdo.

7’5/10

Itinerario de estrenos de junio 2016

Junio se presenta como un mes muy pobre en cuanto a cantidad de estrenos interesantes y, curiosamente, tres de los cuatro que destacamos aquí son secuelas, pero dos de ellas aspiran a liderar el ranking de las películas más taquilleras de este verano. Otras propuestas que podrían ser interesantes son la ganadora del César a mejor película de este año, Fatima, y Una madre imperfecta, comedia dramática con Rose Byrne y Susan Sarandon (ambas se estrenan el 3 de junio). También podría estar bien el biopic deportivo Eddie el Águila (10 de junio) con Hugh Jackman y Taron Egerton, mientras que todo apunta a que Warcraft y Dioses de Egipto son las películas de las que habrá que huir como de la peste. Un servidor no se perderá las cuatro siguientes:

Dos buenos tipos: Thriller setentero de Shane Black (Iron Man 3, Kiss Kiss Bang Bang), sobre un detective y un matón a sueldo que se ven obligados a colaborar juntos para resolver el caso de una joven desaparecida, la muerte de una estrella porno y una conspiración criminal que llega a las altas esferas. Russell Crowe (De padres a hijas) y Ryan Gosling (La gran apuesta) protagonizan el film, cuya premier se celebró en el Festival de Cannes fuera de concurso. A pesar de las buenas críticas, no ha tenido muy buena entrada en la taquilla estadounidense.  Kim Basinger (La gran revancha) y Matt Bomer (Magic Mike XXL) secundan al dúo estelar.
Estreno: 10 de mayo

Expendiente Anwar: El caso de Enfield: Secuela de la exitosa película de terror de 2013 que vuelve a estar dirigida por James Wan y con Vera Farmiga y Patrick Wilson dando vida al famoso matrimonio de investigadores de fenómenos paranormales formado por Lorraine y Ed Warren. La película se basa en otro caso real en el que la pareja estuvo envuelta, concretamente una casa del norte de Londres donde una madre soltera y sus cuatro hijos sufrieron el acoso de numerosos espíritus malignos. Los que ya han podido verla afirman que es más intensa y terrorífica que su predecesora.
Estreno: 17 de junio

Buscando a Dory: Continuación de una de las películas más entrañables de Pixar, centrada en su personaje más (irónicamente) memorable: la amnésica Dory, quien, tras acompañar a Nemo en un viaje para ver cómo las mantarrayas migran de vuelta a casa, se pierde y debe emprender una aventura por la costa de California en busca de su familia. El director de Buscando a Nemo, Andrew Stanton, repite a los mandos, acompañado de Angus MacLane (Toy Story ¡Terror!), mientras que Dory vuelve a contar con las cuerdas vocales de Ellen DeGeneres en la versión original y con las de Anabel Alonso en la doblada al castellano. Una de las citas ineludibles de este verano.
Estreno: 22 de junio

Malditos vecinos 2: Secuela de la taquillera y reivindicable comedia de 2014 que trae de vuelta a su director, Nicholas Stoller, y a su trío protagonista: Seth Rogen, Zac Efron y Rose Byrne. En esta ocasión, Mac y Kelly tratan de vender su casa, pero la llegada al vecindario de una fiestera hermandad femenina provocará que la venta no sea tan fácil como ellos esperaban. Para enfrentarse a las descontroladas estudiantes, pedirán ayuda a Teddy, su antiguo vecino y enemigo. Chloë Grace Moretz (La quinta ola) y Selena Gomez (La gran apuesta) son las principales incorporaciones al reparto, en el que repiten en roles secundarios Dave Franco, Ike Barinholtz y Lisa Kudrow. Aun estando lejos de considerarse un fracaso, Malditos vecinos 2 no ha alcanzado en su país de origen el éxito de crítica y taquilla de la cinta original.
Estreno: 24 de junio

Actriz del mes: Rose Byrne

Nombre completo: Mary Rose Byrne

Fecha de nacimiento: 24 de julio de 1979

Lugar de nacimiento: Balmain, Sydney (Australia)

Filmografía destacada:

Home Again (2017)

Malditos vecinos 2 (2016)
Una madre imperfecta (2016)
X-Men: Apocalipsis (2016)
Espías (2015)
Annie (2014)
Adultos a la fuerza (2014)
Ahí os quedáis (2014)
Malditos vecinos (2014)
Insidious: Capítulo 2 (2013)
Los becarios (2013)
Les doy un año (2013)
Daños y perjuicios (Serie de TV) (2007 – 2012)
Cruce de caminos (2012)
X-Men: Primera generación (2011)
La boda de mi mejor amiga (2011)
Insidious (2010)
Todo sobre mi desmadre (2010)
Señales del futuro (2009)
Adam (2009)
28 semanas después (2007)
Sunshine (2007)
The Dead Girl (2006)
María Antonieta (2006)
Obsesión (2004)
Troya (2004)
Star Wars: Episodio II – El ataque de los clones (2002)
Two Hands (1999)

Méritos: Ha demostrado ser muy buena actriz, ha participado en algunos de los taquillazos sorpresa de los últimos años y es muy guapa (clave del triunfo de cualquier actriz en Hollywood). Entonces, ¿por qué Rose Byrne aún no es una estrella? La primera vez que esta actriz australiana se asomó a la Meca del Cine fue sucediendo a Keira Knightley como doble de Padmé Amidala / Natalie Portman en El ataque los clones. No duró mucho en el cargo, pero al menos le sirvió para empezar a moverse en la industria, participando en cintas de éxito como Troya, María Antonieta o 28 semanas después. Pero el punto de inflexión de su carrera llegó con la serie Daños y perjuicios; a lo largo de los cinco años que duró en antena, Byrne protagonizó junto a Glenn Close uno de los duelos más emocionantes, incómodos y sorprendentes de la televisión americana, colocándose a la misma altura de su ilustre mentora-compañera-némesis.

Al finalizar la serie, Rose Byrne fue la actriz más solicitada de la temporada para protagonizar pilotos, pero rechazó todas las ofertas para dar el salto definitivo al cine donde, al contrario de lo que se podía presagiar, se ha decantado sobre todo por comedias, asumiendo roles secundarios tan robaplanos como los que ha interpretado en La boda de mi mejor amiga, Espías o Malditos vecinos, en la que demostró que las mujeres pueden ser mucho más que la esposa responsable y comprensiva (ojalá Adam Sandler haya tomado nota). Este mes estrena en España su secuela, coincidiendo en cartelera con X-Men: Apocalipsis, donde recupera el rol no-mutante de Moira MacTaggert visto en Primera generación, y con Una madre imperfecta (The Meddler), comedia dramática en la que tiene que lidiar con una progenitora entrometida encarnada por Susan Sarandon. Quizás la razón de su no estrellato resida en que aún no le ha llegado ese papel cinematográfico de envergadura que la haga despuntar como ya hizo en televisión, o simplemente le gusta conservar su anonimato, tal y como afirmó en una entrevista reciente. En cualquier caso, nunca está de más reivindicar el talento de Rose Byrne, más que de sobra demostrado en una serie de películas que, aunque no pasarán a la historia, son tremendamente divertidas y se crecen gracias a su presencia.

Extras:

Tráiler de Una madre imperfecta

Tráiler de Malditos vecinos 2

Tráiler de X-Men: Apocalipsis

Entrevista sobre Malditos vecinos

Ring Around the Rosie – Videoclip de ‘Todo sobre mi desmadre’

Tomas falsas de Espías